Сергей Банников: «В театре нужно сохранять естественное звучание». Интервью со звукорежиссером.

О важности постоянного обучения, стремлении к совершенству, а также о комфорте для исполнителей и зрителей в создании уникальной звуковой атмосферы рассказывает Сергей Банников в интервью для музыкального блога ПРО-Сцене

Сергей Банников — звукорежиссёр Нижегородского театра оперы и балета им. А.С. Пушкина. Он получил образование в музыкальном училище и консерватории, и с тех пор успешно работает в театре, создавая уникальные звуковые сопровождения для спектаклей. Работал в Государственном академическом Мариинском театре Санкт-Петербурга и в государственных театрах Удмурской республики. Сергей известен своим умением сочетать традиции и современные технологии, а также стремлением к созданию комфортного звука для исполнителей и зрителей.

Нижегородский театр оперы и балета им. А.С. Пушкина основан в 1935 году.
Открытие театра оперы и балета в Горьком стало самым крупным культурным событием в жизни города в середине 30-х годов прошлого столетия. Было принято решение размесить театр в помещении бывшего Народного дома, построенного в 1903 году.
Театр является одним из центров музыкальной и культурной жизни города.
5 сентября 2024 года - состоялось открытие юбилейного 90-го театрального сезона.

— Сергей, был ли в вашей карьере момент, когда звук буквально "ожил" для вас, и вы поняли, что звукорежиссура — это ваше призвание?

— На самом деле, мои первые впечатления о звуке появились ещё в детстве, и это не было связано с карьерой. Я долгое время слушал различные записи на кассетном магнитофоне. Это были поп-исполнители — на этом устройстве, выше 4 килогерц ничего и не было в спектре звука, то есть это была такая "бубнящая коробочка".

И вдруг в какой-то момент мне принесли виниловый проигрыватель, поставили пластинку, и я услышал богатое звучание: верхние частоты, спектр, цыканье, барабаны, тарелочки — всё это зазвучало. Для меня это было открытием, что звук может быть таким. Я долго переслушивал пластинку Юрия Антонова, особенно песню «Есть улицы центральные». Я так и запомнил это. Наверное, я закрутил её до дыр, пока пластинка не начала портиться. Это было сильное впечатление, и я получил огромное удовольствие. Внутри всё клокотало от радости.

Конечно, тогда я ещё не воспринимал это как звукорежиссуру и понятия не имел об этом. Приход в звукорежиссуру у меня был достаточно случайным. Я закончил классическое отделение музыкального училища по классу фортепиано, затем поступил в Нижегородское музыкальное училище на эстрадно-джазовое фортепиано.

Когда пришло время выбирать, куда поступать дальше, мой друг и коллега, который сейчас звукорежиссёр, решил узнать о кафедре звукорежиссуры в Нижегородской консерватории. Вместе с ним я решил: буду поступать и туда, и в Москву. В итоге в Москву я уже по экзаменам не успевал, и поступил на звукорежиссуру в консерваторию.

— Какой проект заставил вас выйти за пределы привычного и открыть в себе новые профессиональные грани, и чем именно вы гордитесь в его результате?

— В данном случае это был исполнитель Биту Малик, индийский певец и музыкант, который приехал в город Ижевск. Меня пригласили озвучить этот концерт. Надо сказать, что из числа микрофонов, которые мне могли предоставить, не было ни одного высокого уровня — все они были среднего класса, повседневные. Однако я смог грамотно их расставить.

Самым сложным было то, что данный жанр музыки исполнялся в ДК с плохой акустикой. Мне предстояло озвучить концерт буквально с одной, даже не полноценной, репетиции. Это был небольшой саундчек и несколько произведений. На саундчеке я смог кое-что сделать, но в процессе концерта довел звук до совершенства, насколько это было возможно.

Новые грани заключались в том, что я смог интуитивно озвучить концерт, погрузив слушателя в звуковую атмосферу различных этнических инструментов, гармонично их сочетая и балансируя акустическую обработку. Я создал такую акустическую обработку, которая обеспечила звуку хорошую полётность. Вся музыка состояла из мантр, которые должны были погрузить зрителя в магический процесс.

Весь концерт прошёл на ура! Для меня это была дополнительная монетка в копилку уверенности в том, что я делаю всё правильно, потому что реакция зрителей была великолепной. Люди подходили и благодарили за звук, что не всегда бывает у звукорежиссёров. Я думаю, это был один из самых запоминающихся моментов.

«Да, часто мы работаем в очень приглушённом свете, но только во время спектакля. В остальное время мы находимся при полном освещении. Поэтому с ночью всё-таки не сравнить», - отвечает Сергей про вопрос о частой работе в темноте.

— Как вы решаете проблемы, связанные с непредвиденными техническими сбоями во время спектакля, и какие меры предосторожности принимаете для их предотвращения?

— Непредвиденные сбои в техническом оснащении спектаклей, конечно, случаются. Если есть возможность, мы решаем их во время спектакля, пока публика этого не замечает. Если нет возможности решить проблему сразу, мы прибегаем к резервному оборудованию или другим решениям. В принципе, такие ситуации у нас редки, потому что успех качественного проведения мероприятия зависит от грамотного планирования. Мы заранее предусматриваем все возможные недочеты и варианты, обязательно имеем резервные решения на случай, если с микрофоном или другим оборудованием что-то неожиданно произойдет. У нас есть определенные системы резервирования, чтобы быстро переключиться на них.

— Сергей, в чем заключается таинственная алхимия создания звука в театре, и как она позволяет зрителям погружаться в мир спектакля по сравнению с кино или музыкой?

— Я считаю, что в театре нужно сохранять естественное звучание. Поэтому сложность возникает, когда требуется выводить отдельные инструменты на звукоусиление. Главная задача — сделать так, чтобы зритель не заметил, что идет подзвучка со сцены или из оркестровой ямы. Нужно найти баланс, золотую середину, грань, за которую нельзя выходить. Если сделать инструмент слишком громким, он выпадет из общей звуковой картины и станет слишком заметным. Если слишком тихим, то подзвучка теряет смысл. Это самое сложное — найти эту грань и понять её в зависимости от контекста музыкального материала.

Кроме того, музыканты не всегда играют с одинаковой энергией. Иногда они могут играть тише на спектакле, поэтому важно постоянно следить за этим. Нужно использовать свои приемы звуковой обработки сигнала, чтобы подзвучка была незаметной.

— Какие неожиданные технологии или инструменты вы использовали, чтобы создать звуковые эффекты, которые удивили даже вас самих?

— Я, наверное, не смогу назвать какие-то неожиданные технологии, потому что, в принципе, все они либо известны, либо нет. Всё, что приходит в голову, иногда приходится воплощать в реальность, особенно в оперном театре. Я не всегда могу установить микрофоны так, как хотелось бы, и часто возникают исключения из правил, когда микрофон ставится вопреки всем канонам звукорежиссуры. Тем не менее, это может сработать, особенно при определенной корректировке.

С каждым новым спектаклем мне приходится придумывать способы размещения микрофонов так, чтобы они не были видны зрителю и при этом можно было контролировать их сигнал. Я учитываю все особенности декораций, акустические характеристики, особенности сцены и помещения.

— Как вы умудряетесь сочетать вековые традиции и современные звуковые инновации, создавая уникальное звуковое сопровождение для оперы и балета?

— Я считаю, что для понимания вековых традиций в музыке необходимо изучать её, развивая звуковой вкус. Звукорежиссеры, работающие с классической музыкой, должны знать историю музыки и её жанры, а также много слушать классическую музыку. Посещение живых концертов обязательно, так как они помогают калибровать слух и обновлять восприятие. На таких концертах можно осознать, как звучит живой оркестр.

В эпоху цифровых технологий, когда мы часто слушаем музыку в сжатом и некачественном формате, важно периодически слышать живое исполнение. Это помогает понять естественное звучание в зале и развивать слуховые навыки, которые пригодятся при звукоусилении.

Современные звуковые инновации, конечно, существуют, но главное — не навредить и не ухудшить качество спектакля своими решениями. В опере и балете это может быть по-разному. В нашем оперном театре все поют естественным звуком, и звукоусиление не всегда требуется.

— Поделитесь историей о вызове, который перевернул ваше представление о звукорежиссуре и стал катализатором вашего профессионального роста.

— У меня не было какого-то всплеска, который бы перевернул моё представление о звукорежиссуре. Я всегда стремлюсь к совершенствованию и развитию в этом направлении, слушаю других профессионалов. Я общаюсь с другими профессиональными звукорежиссерами, находя для себя новые решения. Например, в процессе общения я слышу идеи, которые можно воплотить в нашем театре.

Коммуникация — одно из важных условий профессионального развития в нашей сфере, помимо работы с пультом. У каждого есть что-то уникальное, чем можно поделиться. Я всегда рад делиться своими знаниями с другими и принимать их ноу-хау. Это постоянное общение позволяет совершенствоваться и развиваться.

Иногда бывают случаи, когда мне нужно спросить совета у других, чтобы понять, в правильном ли направлении я двигаюсь.

— Как вы превращаете идеи режиссеров и композиторов в звуковую реальность, создавая гармонию между их видением и вашим мастерством?

— В театре я ощущаю, что это единый организм, где все зависят друг от друга, и моя работа важна для выпуска и проведения спектакля. Поэтому мне необходимо тесно общаться с режиссерами и композиторами, чтобы понять их идеи и цели. Это может быть звуковая картина, отдельный инструмент или звуковой эффект. Понимание идеи спектакля для меня обязательно.

Тесное взаимодействие с режиссером или композитором позволяет мне оценить, что можно сделать в рамках реальности. Иногда я предлагаю использовать комбоусилитель вместо основных систем, чтобы инструмент звучал более естественно в сочетании с другими исполнителями. Это важно, чтобы не выбиваться из общего контекста музыкальной палитры.

Я всегда ищу решения, где и как можно озвучить, учитывая ограничения. Чаще всего я не могу менять декорации или другие элементы ради установки микрофона, поэтому нахожу альтернативные способы. Иногда достаточно попросить пианиста сыграть ярче, чтобы его партия пробилась через оркестр.

Когда невозможно обойтись без озвучки, я ищу способы точечной или аккуратной озвучки инструмента, всегда в контексте спектакля и музыкальной партитуры. Здесь важны мой вкус и понимание музыки, чтобы правильно интерпретировать идею композитора и знать, какой инструмент выделить.

Иногда я могу предложить композитору усилить какой-либо инструмент. В целом, всё проходит легко и гармонично, и я всегда нахожу общий язык. Диалог — это основа, и я стараюсь следовать замыслу композитора и режиссера. Иногда хочется предложить своё видение, но если композитор настаивает на своём, я уважаю его замысел и работаю в соответствии с ним.

— Есть ли у вас звуковые приемы, которые стали вашей фирменной "подписью", и как они помогают вам выразить свою индивидуальность?

— У меня, наверное, нет каких-то особых фирменных звуковых приёмов. Единственное, что я стараюсь делать, — это обеспечивать максимально комфортный звук как для зрителя, так и для исполнителя. Это важно, потому что комфорт исполнителя на сцене влияет на его исполнение и то, как он будет выражать себя перед залом.

Я уделяю большое внимание мониторингу сцены на мероприятиях и обязательно спрашиваю всех участников об их пожеланиях и требованиях, чтобы обеспечить максимальный комфорт. Если исполнителю комфортно на сцене, он будет работать на 200 процентов. Если нет, его исполнение и настроение могут пострадать, и отношение к звукорежиссёру тоже.

Можно сказать, что моя "фирменная подпись" — это создание комфорта для солиста. Я всегда рад, когда солистам комфортно на сцене, и они, видимо, тоже этому рады. У нас идёт тесное взаимодействие, и мы благодарим друг друга за работу. Это очень приятно, когда музыканты благодарят звукорежиссёров, и мы, в свою очередь, благодарим их.

Самое главное — обеспечить комфорт на сцене для солиста. Звук в зале мы делаем независимо от солиста, и следующая задача — создать комфортный звук для публики. Звук в зале сильно влияет на восприятие слушателем звуковой картины, солистов и музыки в целом. Можно улучшить это восприятие и донести его до зрителя, а можно испортить, что вызовет недовольство у зрителей.

— Как вы видите будущее звукорежиссуры в театре, и какие инновации, на ваш взгляд, способны изменить правила игры в этой области?

— Будущее звукорежиссуры в театре - это внедрение современных технологий, которые развиваются очень быстро Этому способствуют более сложные и современные театральные постановки, где возникает необходимость в высокотехнологичных и инновационных приёмах. Театр следует современным тенденциям, и современные театры обладают множеством технологических возможностей и оборудования для воплощения задумок автора и обеспечения высокого уровня спектакля. Звукорежиссура развивается, и постоянно появляются новые технологии, приборы и способы управления звуком.

— Какой неожиданный и, возможно, парадоксальный совет вы могли бы дать начинающим звукорежиссерам, чтобы они смогли найти свой уникальный путь в профессии?

— Мой совет для молодых начинающих звукорежиссёров заключается в том, что мы развиваемся на своих ошибках. Лучше, конечно, учиться на чужих, но и на своих мы тоже развиваемся. Поэтому не стоит бояться ошибаться или делать что-то не так. Это всегда творческий процесс, поэтому нужно просто делать выводы и двигаться вперёд. Вот и всё.

Я бы советовал слушать много музыки в хорошем качестве и ходить на концерты. Звукорежиссура — это постоянное обучение, не только в музыкальном заведении, но и далее по пути. Это всегда новые технологии и развитие, поэтому нужно слушать, смотреть, общаться с коллегами, предлагать и обсуждать.

Слава богу, есть множество различных сообществ и уникальных звукорежиссёров. Обязательно стоит ездить на мастер-классы к этим звукорежиссёрам, потому что там можно не только почерпнуть знания, но и окунуться в атмосферу звукорежиссуры, чтобы подпитывать себя вдохновением и новыми идеями. Самое главное — ничего не бояться. Если вы любите эту профессию, то идите дальше, развивайтесь в ней и достигайте высот в своём внутреннем понимании. Не забывайте хвалить себя за то, что получилось хорошо, потому что это важно. Звукорежиссура — это профессия, которая позволяет донести до людей идею спектакля.

— Спасибо, Сергей, за то, что поделились с нами своими мыслями и опытом. Желаем вам дальнейших творческих успехов и вдохновения!


Благодарим каждого за прочтение! Подписывайтесь на наш канал и оставляйте свои отзывы о блоге. Нам важно ваше мнение!